Архитекторы, работающие в Италии, всегда превозносили классику. Греки, применявшие этот стиль, использовали его в колонизированных ими южных городах; римляне усовершенствовали и приукрасили его; итальянские архитекторы эпохи Возрождения открыли вновь и изменили этот стиль в соответствии с требованиями своего времени; а фашистские архитекторы 1930-х годов сослались на классику в своих модернистских строениях. Даже сегодня такие архитекторы, как Ричард Мейер, проектируют в Италии здания, которые являются отчетливыми прототипами классики. Почему бы не следовать формуле, которая работает, особенно когда она помогает радовать глаз и заставляет душу парить?
Классический стиль
Монументальность — вот одно слово, характеризующее здания древней Италии. Римляне создали небывалую по размеру империю и хотели, чтобы их постройки были такими же. От Римской Арены (Roman Arena) в Вероне до Амфитеатра Флавия (Anftteatro Flavio) в Поццуоли — такие гигантские стадионы поднимались над горизонтом. СПА-центры наподобие римских Терм Каракаллы (Тепле di Caracalla) были настоящими городами привилегий, которые могли похвастаться всеми удобствами, начиная от гигантских выложенных мрамором бассейнов до гимназий и библиотек. Акведуки, похожие на неаполитанские, обеспечивали водой тысячи горожан. А такие храмы, как храм Аполлона (Tempio di Apollo) в Помпеях, служили верующим местом вероисповедания.
Римляне, следуя ценным урокам греков, так усовершенствовали архитектуру, что их строительные методы, проекты и мастерство в создании гармоничных пропорций и по сей день питают мировую архитектуру и городское проектирование.
И хотя греки изобрели архитектурные ордеры (дорический, ионический и коринфский), но именно римляне использовали их для бравурных представлений. Обратите внимание на римский Колизей с его нижним рядом дорических, средним рядом ионических и предпоследним рядом коринфских колонн. Римляне имели также «легкую руку» и в проектировании храмов. Достаточно посмотреть на изящный Пантеон в Риме — храм, огромный купол которого демонстрирует изобретение римлянами бетона, материала столь же важного для современной строительной промышленности, как Феррари для гонок Формулы 1.
Византийский стиль
После обращения Константина в христианство все архитекторы и строители империи занялись проектированием и строительством церквей. Император приказал построить несколько таких зданий в Риме, а также расширил сферу своего влияния на восток до Константинополя в Византии. Его преемники в Константинополе, Юстиниан и его жена Теодора, стали строить церкви в так называемом византийском стиле. Они были построены из кирпича по римскому проекту базилик с куполами, а их внешний облик контрастировал с великолепными выложенными мозаикой интерьерами. Этот стиль, снова вернувшийся в Италию в середине VI столетия, был сильно выражен в базилике Сан-Марко в Венеции и немного скромнее — в таких зданиях, как церковь Сан-Пьетро в Отранто в Апулии. Однако истинными звездами византийского стиля являются построенные в виде креста базилика Сан-Витале в Ровенне и базилика святого Аполлинария в Классе.
Романский стиль
Следующий этап развития духовной архитектуры Италии пришел из Европы. Европейский романский стиль моментально стал популярным в четырех отдельных формах — ломбардской, пизанской, флорентийской и сицилийско-норманнской. Все названные формы вышеупомянутого стиля акцентировались на ширине и горизонтальных линиях здания, а не на его высоте, и имели стоящие отдельно от церкви кампанилы (колокольни) и баптистерии.
Для флорентийского и пизанского стилей характерно использование белого и зеленого мрамора на фасадах зданий, что можно увидеть в культовых строениях, подобных базилике Санта-Мария-Новелла во Флоренции, баптистерию Кафедрального собора, а так же собору и баптистерию в Пизе.
Ломбардский стиль характеризуется выгравированными фасадами и художественным оформлением арок. Одними из лучших примеров этого стиля являются Ломбардский собор в Модене, базилика святого Михаила в Павии и необычной формы Дуомо Веккьо работы Брешиа.
На юге страны сицилийско-норманнский стиль составил экзотическую смесь норманнского, сарацинского и византийского влияний, выразившихся в мраморных колоннах, исламского вида арках и стеклянных кубиках мозаики. Собор Монреале, расположенный вблизи Палермо, является одним из лучших примеров данного стиля.
Готический стиль
Итальянцы не стремились работать в готическом стиле так же воодушевленно, как это делали французы, немцы и испанцы. Их плавающие опоры, гротескные горгульи и чрезмерное художественное оформление были слишком далеко от классического идеала, который был (и все еще есть) у итальянцев. Но были, конечно, и исключения. Несклонные к легкомыслию венецианцы использовали этот стиль в таких палацци (особняках), как Ка’ д’Оро и на фасадах общественных зданий, например в Палаццо Дукале. Одержимый модой житель Милана использовал этот стиль в ярком Кафедральном соборе в Милане, а сиенец выдумал великолепный его пример в соборе Сиены.
Барокко
Но на каком-то этапе стремление Ренессанса к сдержанности и чистым формам должно было привести к обратной реакции, так что не удивительно, что следующим главным архитектурным движением Италии стал стиль, примечательный своей помпезностью — хотя некоторые назовут его декадентским. Этот стиль берет свое название от португальского слова «барокко», которым рыбаки называли деформированный жемчуг. По сравнению с чистыми классическими линиями строений эпохи Возрождения стиль барокко действительно можно назвать «деформированным». Например, фасад Кафедрального собора Андреа Палма в Сиракузах, дворец Кариньяно Гу-арино Гуарини в Турине, а также балдахин Джана Лорен-цо Бернини в соборе святого Петра в Риме — все это есть драматические, пышные и очень сексуальные конструкции, которые имеют весьма скудное сходство с классическим идеалом.
У многих неаполитанских архитекторов, творивших в этом стиле, высказывание «считается то, что внутри» вызывает особенно сильный резонанс. Отчасти из-за общеизвестно высокой плотности застроек этого города и нехватки места на базарных площадях многие горожане тратили меньше времени на украшение фасадов и не скупились на интерьеры. Например, внешний облик церкви и монастыря Сан-Грегорио Армено не говорит об ожидающем внутри изобилии — позолоченных потолках, многоцветных мраморных стенах и этажах.
Действительно, использование цветного мрамора — одно из высших достижений неаполитанского барокко. Его применяли также для украшения могил во второй половине XVI века, а уже в начале XVII века он использовался везде: от алтарей до полов во всех часовнях. Бесспорным мастером в этом виде искусства был Козимо Фанцаго, чьим шедевром является церковь в Национальном музее Сан-Мартино в Неаполе — целый калейдоскоп цветов и оттенков, отличное дополнение к работам других великих мастеров — таких как Джузеппе Рибера, Массимо Станционе и Франческо Солимена.
Если принять во внимание любовь неаполитанцев к стилю барокко, то неудивительно, что именно в нем был построен состоящий из 1200 комнат Королевский дворец в Казерте, спроектированный неаполитанским архитектором Луиджи Ванвителли для того, чтобы превзойти Версаль во Франции
Индустриальные новшества и модернизм
Архитектура в XIX столетии, забытая из-за политических и социальных переворотов Италии, отошла на второй план. Одно из немногих знаменитых движений того времени появилось под влиянием промышленной революции и нашло применение индустриальных новшеств из стекла и металла для проектирования зданий. Два монументальных примера в этом стиле — галерея Витторио Эмануэле II в Милане и ее южный вариант — галерея Умберто I в Неаполе.
Но уже к концу столетия повальное увлечение стилем модерн оживило Европу. Его итальянская версия «Io Stile Floreale», что значит «свобода» на итальянском, известна своей экстравагантностью, нашедшей свое отражение в большом многоквартирном доме под названием Дом Кастильоне работы Джузеппе Соммаруги (1903), расположенном по адресу Corso Venezia 47 в Милане.
Модернизм, появившийся в Италии, принял две формы. Первая была чисто теоретической, основанной на влиятельном Манифесте футуризма (1909) Маринеттии. Вторая была рационализмом, который отстаивался в Италии двумя сообществами. Первое сообщество было известно как Группа семи и состояло из семи архитекторов, вдохновленных Баухаузом (Bauhaus); наиболее значимым его участником был Джузеппе Терраньи, автор выдающейся работы Дом Фашизма 1936 года (который сейчас называется Народным домом в Комо. Второе сообщество, являющееся соперником первого, называлось MIAR (Movimento Italiano per TArchitettura Razionale, Итальянское движение за рациональную архитектуру) во главе с Адальберто Либерой. Этот влиятельный архитектор известен прежде всего благодаря своему Дворцу конгрессов в районе EUR, пригороде Рима XX столетия, ставшем родиной многих значимых в архитектурном смысле зданий. Подобно многим итальянским архитекторам того времени, Либера и Терраньи проектировали здания в стиле модерн для фашистских властей, поэтому их работы иногда упоминаются как «фашистская архитектура». Самым символичным творением этого направления является арочный Дворец рабочих в EUR, спроектированный Джованни Гуэррини, Эрнесто Бруно Ла Падулой и Марио Романс Его арки и блестящая травертиновая внешняя отделка напоминают Колизей — оду классическим идеалам стоицизма и славы, которая так вдохновила фашистов.